Hace 1 año
sábado, 16 de enero de 2010
"Para que quiero mis pies si tengo alas para volar..." (Frida)
Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón, mas conocida como Frida Kahlo (1907-1954),fue una pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Hija del fotógrafo judioalemán Guillermo Kahlo, Frida nació en Coyoacán, en el sur de Ciudad de México. A los 16 años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad, resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. Tres años más tarde le llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. En 1929 se casaron.
Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.
Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: Unos cuantos piquetitos (1935, colección Dolores Olmedo), Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) y Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).
Expuso en tres ocasiones. Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta y ensayista surrealista francés André Breton. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México. Un año después murió. El matrimonio Kahlo-Rivera fue miembro del Partido Comunista Mexicano. El día de su entierro, el féretro de Frida fue cubierto con la bandera del partido, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su casa de Coyoacán fue transformada en Museo y lleva su nombre.
Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Al igual que Rivera, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.
Sus cuadros representan fundamentalmente su experiencia personal: los aspectos dolorosos de su vida, que transcurrió en gran parte postrada en una cama, son narrados a través de una imaginería gráfica. Expresa la desintegración de su cuerpo y el terrible sufrimiento que padeció en obras como La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: Unos cuantos piquetitos (1935, colección Dolores Olmedo), Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) y Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo).
Expuso en tres ocasiones. Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939 a través de sus contactos con el poeta y ensayista surrealista francés André Breton. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México. Un año después murió. El matrimonio Kahlo-Rivera fue miembro del Partido Comunista Mexicano. El día de su entierro, el féretro de Frida fue cubierto con la bandera del partido, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su casa de Coyoacán fue transformada en Museo y lleva su nombre.
jueves, 10 de diciembre de 2009
Amancio González Andrés nace en Villahibiera de Rueda, provincia de León, España, en 1965 y salvo éste, pocos son los datos sobre su biografía que a día de hoy podemos ofrecer. Sobre su obra, quizás lo que más nos debe interesar, decir que se trata de un artista figurativo. El término "figurativo", que alcanzó hace años la más baja cota de popularidad, ha alcanzado de la mano de escultores como Amancio el nivel que le corresponde: una forma tan válida como la abstracción para la expresión de cualquier sentimiento.
La obra de Amancio, lejos del frío y repetitivo academicismo, nos ofrece una perspectiva diferente utilizando siempre la figura humana, en ocasiones metamorfoseada, pero siempre el hombre presente.
Visita el sitio web de Amancio Gonzalez Andres
lunes, 23 de noviembre de 2009
Kseniya Simonova (nacida en 1985 como Ксения Симонова) es una artista en animación en arena en Ucrania. Comenzó a dibujar en arena tras el colapso de su negocio como consecuencia de la crisis de crédito y menos de un año más tarde participó en el concurso Ukraine's Got Talent. Resulto ganadora del concurso en 2009, construyendo una animación acerca de la vida en la Unión Soviética durante la Gran Guerra Patriótica contra el Tercer Reich en la Segunda Guerra Mundial.
Simonova ganó 1.000.000 Hryvnias ucraninanos (cerca de USD125.000) al obtener el primer lugar en el concurso.Un video de su performance en YouTube ha recibido más de 7 millones de visitas.
lunes, 9 de noviembre de 2009
Maurits Cornelis Escher (1898-1972). más conocido por sus iniciales como M.C. Escher, es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Tal vez la mejor definición que se ha dado de él sea la de «uno de los más reconocibles y admirados por el gran público». Esto viene a decir que muchas personas admiran y encuentran curiosos, intrigantes y bonitos sus trabajos, aunque al principio no sepan muy bien de quién son ni conozcan realmente al autor o la época en que fueron creados.
Sus más populares obras, figuras imposibles, fondos reticulados con diversos patrones y mundos imaginarios han sido reproducidas hasta la saciedad en portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos. Escher es, en cierto modo, uno de los artistas más referenciados en la «cultura popular» del siglo XX.
Sus más populares obras, figuras imposibles, fondos reticulados con diversos patrones y mundos imaginarios han sido reproducidas hasta la saciedad en portadas de libros, revistas, campañas publicitarias y en todo tipo de formatos. Escher es, en cierto modo, uno de los artistas más referenciados en la «cultura popular» del siglo XX.
Dado que sus obras guardan ciertas similitudes entre sí debido a la recurrencia de los temas tratados (las figuras imposibles, las metamorfosis) son fácilmente «reconocibles» para el observador interesado, que a veces acaba descubriendo al artista tras haberse encontrado previamente con gran parte de su obra.
Tal vez el carácter matemático de sus obras ha hecho también que sea uno de los artistas más populares en los entornos científicos, especialmente matemáticos e informáticos. Curiosamente, sus conocimientos matemáticos siempre fueron muy limitados. Muchas de las conclusiones gráficas y matemáticas a las que llegó, que le permitirían realizar algunos de sus trabajos, tuvo que descubrirlas por sí mismo.
Mini-biografía de M.C. EscherMaurits Cornelis Escher nació el 17 de junio de 1898 en Leenwarden (Países Bajos), hijo de un ingeniero hidráulico. Era un pésimo estudiante que tuvo que repetir curso dos veces. Para él la escuela era una pesadilla, excepto las clases de dibujo. Como tantos otros grandes artistas, era zurdo. Su profesor F.W. van der Haagen le enseñó la técnica de los grabados en linóleo y fue una gran influencia para el joven Escher.
En 1919 comenzó a estudiar en la Escuela de Arquitectura, pero abandonó sus estudios. A cambio, comenzó a aprender la técnica del grabado en madera o xilografía de Samuel Jesserun de Mesquita, su maestro, que utilizaría posteriormente en muchas de sus obras. 
Hacia 1922 fue a Italia de vacaciones y teminaría viviendo en Roma una larga temporada. Le gustaban el clima y los paisajes italianos, y a menudo los recorría a pie en larguísimas excursiones. En 1924 conoció en uno de esos viajes a Jetta Umiker, que se convertiría en su mujer y con quien tendría tres hijos. Muchas de las obras de Escher en las que se ven casas y edificios en la costa están inspiaradas en la arquitectura tradicional de pequeños pueblecitos italianos.
Escher también viajó a España, donde descubriría la Alhambra de Granada, el Generalife y la Mezquita de Córdoba, cuyas maravillas estudiaría con detalle. Lo que aprendió allí tendría fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.
A partir de 1935, Escher dejó italia entre otras cosas debido al desagradable clima político que se avecinaba y que desembocaría en la II Guerra Mundial, y pasó algunos años en Suiza, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco inspirador. Luego fue a vivir a Bélgica en 1937 y finalmente regresó a Baarn, Holanda, en 1941.
Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas nuevas, excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.
Hasta 1962 su producción de trabajos fue muy constante. Entonces cayó enfermo y eso supuso un pequeño parón transitorio. En 1969 realizó su último trabajo original, Serpientes, que demostraba que su habilidad seguía intacta. Hacia 1970 ingresó en una residencia para artistas en Holanda, donde pudo mantener su propio taller.
Falleció el 27 de marzo de 1972.
A lo largo de su carrera realizó más de 400 litografías y grabados en madera, y también unos 2.000 dibujos y borradores. De muchos existen decenas de reproducciones, cientos e incluso miles de otros. Al final de su carrera destruyó algunas de las planchas para que no se realizaran más reproducciones de originales. También existen estudios y borradores de muchas de sus obras, en ocasiones también varias versiones de algunas de ellas. Muchas de su obras se vendieron masivamente poco después de su muerte y están esparcidas por el mundo. Un grupo importante está expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Holanda.
El trabajo artístico de EscherComo artista, M.C. Escher resulta difícil de clasificar. Se han hecho múltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher no tenía grandes prentensiones ni mensajes que transmitir, sino que básicamente plasmaba lo que le gustaba. No basa su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente en situaciones, soluciones a problemas, juegos visuales y guiños al espectador. Visiones, en ocasiones, que le sobrevenían por las noches, que pasaban por su imaginación y que creía merecedoras de ser plasmadas en sus cuadros.
Él mismo reconocería que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicología, sino sólo las cosas que pasaban por su cabeza. En ciertro modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difícil, que prefería crear su propio universo.
Los expertos coinciden, y es bastante evidente examinando la mayor parte de sus obras, en que una de sus principales características es la dualidad y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida.
El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafo, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:
La estructura del espacio – incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.Las obras más conocidas de Escher son probablemente las figuras imposibles, seguidas de los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano).
Para descubrir más sobre M.C. Escher
M.C. Escher, the official website, la web oficial.
M.C. Escher en la Wikipedia en español.
M.C. Escher en la Wikipedia en inglés.
Colección de obras de Escher, de las más veteranas y completas.
Cuadros de M.C. Escher, otra colección, en castellano.
M.C. Escher, otra pequeña biografía de Sospechosos Habituales.
martes, 1 de septiembre de 2009
Hoy les presento a mi escultor predilecto, un talentoso polaco cuyas obras son contemporaneas y la mayor parte de sus obras se exhiben en España.
Biografia:
Estudió en la Escuela de Arte y la Academia de Arte de Cracovia con Tadeusz Kantor. Tras algunas exposiciones colectivas, en 1967 celebró su primera exposición individual, en la Galería Krzysztofory. Al año siguiente partió hacia París, para continuar sus estudios en la Escuela Nacional de Arte.
Fascinado por el arte y la cultura latinoamericana, pasó un año en México, lo que le hizo cambiar la pintura por la escultura. Volvió a París en 1974 y dos años más tarde realiza otra exposición individual importante (Galería La Hune), dedicada ya a la escultura.
En 1979 viaja a Carrara (Italia), y se convierte al mármol como medio principal, sin dejar de trabajar en terracota y bronce. En 1983 instala su estudio en Pietrasanta. En 1986 participa con una sala personal de la Bienal de Venecia. Realiza otras muestras individuales en Milán (Compagnia del Disegno, 1987) y Nueva York (Academy of Art, 1989). En 2001 es nombrado ciudadano honorario de Pietrasanta y recibe el Premio Vittorio de Sica a su trayectoria artística. Su estilo parte de la tradición clásica pero introduce un toque postmoderno al truncar deliberadamente las extremidades, lo que en las obras clásicas es el resultado las vicisitudes que han sufrido a lo largo del tiempo. Sin embargo informe caliente controversia como consecuencia de la instalación (5 abril 2008) de su trabajo en "Piazza Trento" en Tivoli, frente a la iglesia de San Maria Maggiore y la Villa d'Este. La ubicación del hecho ha puesto en peligro la celebración del rito dell'Inchinata. El trabajo se trasladó el 11 de agosto, de esta manera fue posible la sagrada ceremonia. La estatua que entonces se llamó in situ el 20 de agosto de 2008. Los ciudadanos de Tivoli, que ya firmaron una petición Personas (4800 firmas, la fuente Il Messaggero) contra la instalación de la escultura, incluso estética e históricamente totalmente ajenas al sitio, esperamos que en el futuro la eliminación puede ser definitivo.
[Fuente: wikipedia]
miércoles, 26 de agosto de 2009
HERMEL OROZCO [Pintor Surrealista]
Ecuatoriano sin fronteras ni límites, destetado en la más absoluta rebeldía y testigo de los extremos sociales en diferentes lugares.
Nacido en el año mas erótico del siglo, 1969; de signo Acuario un signo que le calza y lo define muy bien, por el mes Enero en el día 21 vio la luz por primera vez, siendo segundo entre cuatro hijos de la familia Orozco Domínguez.
La pintura siempre ha sido un manantial de agua fresca en el desierto de la vida, siempre a admirado a cada uno y a todos los artistas que plasman mediante los colores las expresiones, e inmortalizan mediante los trazos escenas del mundo con sus diferentes y variadas técnicas. Siendo un enamorado del arte y tomando como referencia la obra del maestro ecuatoriano Oswaldo Guayasamín, viajó por todo Ecuador desde Tulcán a Macará y Galápagos, realizando trabajos a carboncillo para luego incursionar poco a poco en óleo sobre lienzo, igualmente experimentó con otros materiales en la búsqueda de su propia expresión artística.
En ese afán y seducido por los colores que utilizan los pintores del caribe, en 1988 con tan sólo 19 años viaja a Republica Dominicana, país al que volvería una vez más dos años más tarde para completar sus indagaciones sobre el color y las formas. De formación autodidacta, muy pronto despierta una especial sensibilidad por las culturas pre-colombinas, por lo que en 1989 viaja a Perú, de Lima se traslada a la ciudad de Trujillo para conocer las ruinas de Chan-Chan, y tomar notas de la simbología de la cultura Mochica- Chimú, que le servirán de inspiración en la búsqueda de su identidad plástica. País al que volvería en dos oportunidades más, en los años 2004 y 2005 para ampliar conocimientos y estudiar las líneas de Nazca de las que quedará impresionado y le servirá para incorporar a su obra los misterios que éstas encierran.
Continuando con esta búsqueda, y atraído por la monumentalidad de la obra de Fernando Botero, viaja a Colombia en 1993, recorriendo las ciudades de Cali, Bogotá y Medellín; la riqueza cultural que vio y la variedad de artistas plásticos que encontró, hizo que volviera a este país en el año 1994, esta vez a la ciudad de Cartagena de Indias para estudiar las diversas tendencias del lugar e incrementar sus conocimientos pictóricos. Ávido de seguir investigando en la plástica, viaja en 1996 a Caracas - Venezuela, donde visitará los museos de la ciudad y hará algunos contactos en el ambiente artístico, de los que tomará debida nota para encausar su trabajo como pintor En enero del año 2000, emigra a España a raíz de la crisis económica que se vive en el Ecuador en el período de la dolarización; aquí recorrerá muchas ciudades para finalmente instalarse en Madrid. Inquieto por la riqueza artística que hay en Europa y conciente de su importancia en el mundo del arte, en el año 2001 viaja a Portugal- Lisboa para conocer de primera mano el arte luzo, en museos y galerías, pero sobre todo de los pintores que pintan calles y plazas y que se abren paso solos en un mercado tan competitivo como el arte Europeo. Instala su estudio en Madrid , durante este periodo la producción de su obra es fructífera, sobre todo en óleos de grande y mediano formato, para en el año 2005 crearse un sitio web propio con el dominio: en el que permanece hasta hoy una muestra de pinturas expuestas. Bajo la dirección y mecenazgo de su marchante, es cofundador del “Grupo América” junto con Arnold Quintero (Colombia) . Walter Félix (Argentina) , Dumitru Felciuc (Rumanía) y que lidera el maestro Orlando Arias (Bolivia) , grupo donde cada uno defiende su estilo propio y personal, uniéndoles la diferencia de los estilos, pero una causa común, el arte. Dentro del grupo, cada cual se nutre de las bondades de los otros integrantes, sin dejar de ser ellos mismos, defendiendo cada uno su estilo y su mensaje, tan diferente y dispar de los otros, pero con una meta en común, el arte. En septiembre del año 2006, participa en la Séptima Edición de la Feria de Arte Independiente de Madrid (FAIM), presentando una serie de obras muy al estilo del expresionismo figurativo, que llamaron la atención del público asistente. Como reconocimiento a su trabajo artístico, en el año 2007, ha sido seleccionado para formar parte del diccionario de pintores “Genios y Figuras” editado en la Provincia de Gerona-España.
A continuación, algunas de sus flamantes obras:
Titulo: NATURALEZA
Categoría: Pintura Material: MADERA Tecnica: Oleo Soporte: Tela Dimensiones: Figura25 (81x65) Realizada en: Estilo: Surrealismo
Titulo: MI PRISIONERO
Categoría: Pintura Tecnica: Oleo Soporte: Tela Dimensiones: Figura40 (100x81) Realizada en: Estilo: Expresionismo
Titulo: DANZA
Categoría: Pintura Tecnica: Oleo Soporte: Tela Dimensiones: Figura40 (100x81) Realizada en: Estilo: Expresionismo
Titulo: EN LA SILLA
Categoría: Pintura Material: MADERA Tecnica: Oleo Soporte: Tela Dimensiones: Figura25 (81x65) Realizada en: Estilo: Expresionismo
[Fuente: artistasdelatiera.com]
jueves, 20 de agosto de 2009
Lola Mora ó Dolores Mora Vega (El Tala Salta 17 de noviembre de 1866 - Ciudad de Buenos Aires 7 de junio de 1936) fue una artista argentina, especializada en escultura.Su lugar de nacimiento fue controvertido: tradicionalmente se consideraba que era originaria de la población tucumana de Trancas, ahora existen documentos probatorios que indican que nació en la estancia Las Moras, fracción de la Estancia El Tala y de Campo de Los Mogotes, hoy Estancia El Datil, ubicada en el departamento de La Candelaria de la provincia de Salta, y próxima a la frontera interprovincial.Es así que desde los veinte años pudo estudiar bellas artes en la provincia de Tucumán, de la mano del pintor italiano Santiago Falcucci (1856-1922) quien comenzó a brindarle clases particulares. Según un artículo que él publicara en la Revista de Letras y Ciencias Sociales en 1904, y que es la única fuente que reseña los primeros pasos sistemáticos de Lola Mora en el arte, en un principio le costaba ceñirse a la joven al trabajo metódico y a escondidas de su maestro, pintaba flores y "cosas de fantasía". En cierta oportunidad, Falcucci la sorprendió dándole forma a unas mariposas con sus acuarelas y le planteó muy seriamente si su objetivo era ser una dilettante o una artista, a lo que Lola contestó que quería dedicarse al estudio del arte y para esto estaba dispuesta a seguir sus indicaciones. Así, cuenta el pintor, comenzaría un trabajo disciplinado, abocado al dibujo y a la técnica del retrato, con inspiración en las escuelas neoclasicista y romántica italianas, de las que ella no se apartaría en toda su producción.
Continúa sus estudios luego en Roma, Italia, donde tuvo como uno de sus principales maestros al excepcional Giulio Monteverde; durante su prolongada estadía en Italia quedo imbuida del modernismo escultórico y, por sobre todo, de los ejemplos del Renacimiento y del Barroco, en especial el de las obras de Miguel Ángel y de Bernini.
Ya demostradamente virtuosa en el cincelado del granito y del mármol, el gobierno argentino le encargó numerosas obras: por ejemplo en 1900 los bajorrelieves que luego adornarían el patio de la Casa de La Independencia en San Miguel de Tucumán. Aunque su obra más relevante causó polémicas moralistas, en efecto, al concretar en 1903 su monumental Fuente de las Nereidas por encargo de la Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires, la sociedad aún "victoriana" consideró "licenciosas" y "libidinosas" las esculturas que mostraban (y muestran) alegremente sin recatos los cuerpos desnudos emergiendo triunfalmente de las aguas.
La obra escultórica recién mencionada tuvo su primer emplazamiento a poca distancia de la Casa Rosada pero la presión de las "ligas moralistas", que además de quejarse de los desnudos de la obra no toleraban verla trabajar en pantalones en su taller, obligaron su traslado a un lugar entonces alejado: la Costanera Sur (en donde aún se encuentra tal escultural fuente). Desde esa época comenzó a padecer una suerte de ostracismo, aunque pudiendo irse de su país prefirió quedarse en su tierra.
Además de las obras escultóricas antes citadas, son de relevancia la escultura de la Independencia ubicada en San Miguel de Tucumán, o el conjunto de estatuas llamado Paz, Justicia, Libertad, Progreso planteadas para el edificio del Congreso Nacional en la ciudad de Buenos Aires y luego ubicadas en la ciudad de San Salvador de Jujuy, o el conjunto de esculturas realizado para su Monumento Nacional a la Bandera, proyecto ganado por ella y luego abandonado, en la ciudad de Rosario, también corresponde mencionar el primoroso tintero y portalapicero que realizó para uso de los presidentes argentinos.
Fuente de las Nereidas en Capital Federal, Costanera Sur.
Bajorrelieves de la Casa de la Independencia, San Miguel de Tucumán.
El grupo escultórico del que sería el 2º Monumento Nacional a la Bandera Argentina, hoy parte del 3º y definitivo, erigido en la Ciudad de Rosario (Argentina)
En la Provincia de Jujuy: estatuas de "La Justicia", "El Progreso", "La Paz" y "La Libertad" (emplazadas alrededor de la Casa de Gobierno), "El Trabajo" (frente a la estación ferroviaria) y "Los Leones" (en Ciudad de Nieva).
Monumento a Nicolás Avellaneda, Plaza Alsina, Avellaneda.
Estatua de la Libertad, Plaza Independencia, San Miguel de Tucumán.
Monumento a Juan Bautista Alberdi, Plaza Alberdi, San Miguel de Tucumán.
Estatua del Dr. Facundo de Zuviría (Jardines de Lola Mora, Parque San Martín, Ciudad de Salta).
Algunas de las obras fundidas en bronce para el Monumento 20 de febrero (Ciudad de Salta) se realizaron en París, bajo su supervisión artística.
En la localidad de El Tala (Departamento La Candelaria, Salta) está su Casa Natal –declarada "Monumento Histórico Nacional"– y en el Cementerio de dicho Municipio, la primera lápida de que es autora, erigida en memoria de Don Facundo Victoriano Zelarayán (primer jefe de la estación ferroviaria de la localidad).
También existen otras obras de su autoría, en las Provincias de: Tucumán, San Luis, San Juan, Córdoba, Mendoza, Corrientes, Buenos Aires y Capital Federal.
Fuente de las Nereidas
El primer destino de la Fuente de las Nereidas fue la Plaza de Mayo. Pero algunos ciudadanos no creyeron correcto un conjunto tan sensual a veinte metros de la Catedral. Así, se emplazó donde hoy se cruzan la avenida Leandro N. Alem y la calle Presidente Perón. Se inauguró el 21 de mayo de 1903 en una ceremonia llena de caballeros: la única dama del palco oficial era Lola Mora.Quince años permaneció la fuente allí, hasta que en 1918 se recomendó su traslado a un nuevo paseo: la Costanera Sur.
Esta obra sigue la tradición de los grandes maestros italiano.
Cuando se gira a su alrededor aparecen nuevos y diferentes puntos de vista: en el nivel inferior, masculino (yang), dominado por hombres y caballos; o en el superior, coronado por tres figuras femeninas (yin).
Tiene estructura cónica ascendente, remata en una forma espiralada y está dominada por el número tres: en la base hay tres grandes ostras que contienen los cuerpos de hombres y caballos, y tres figuras femeninas elevas sobre un promontorio rocoso coronan el conjunto. Viendo la musculatura de los varones y las curvas de las mujeres se entiende por qué algunos ciudadanos se incomodaron en esa época.
Los varones son tritones, servidores del cortejo de Poseidón. Lola Mora no los representó a la manera tradicional, hombres hasta la cintura y luego como peces. Están cortados justo debajo de los glúteos, tan firmes como los del David, de Miguel Angel.
Lo mismo sucede con las dos Nereidas, que aparecen en los vasos griegos como mujeres hasta la cintura y luego peces.
La autora optó por otra solución. Sólo a la mitad del muslo les crecen dos caudas de pez. El resultado: menos monstruosas y más voluptuosas. A Venus le está reservada la delicadez. Basta detenerse en el ademán de la mano izquierda, la forma en que cruza sus piernas y el equilibrio sobre el borde de la ostra. La mejor manera de gozar de esta fuente es rodearla una y otra vez, ver el contraste de la espalda del tritón y del pecho del caballo; observar cómo un tritón levanta el brazo izquierdo para sostener las bridas del caballo marino, mientras el segundo lo domina con el derecho y el otro usa ambos brazos. Elevando la vista se observa la doble espiral que conforman los cuerpos de las Nereidas y la torsión exagerada de sus espaldas.
Desde un ángulo, Venus parece contenida en la gran ostra; del otro, está a punto de caer, aunque con la elegancia de un meñique contraído.
Ficha de la obra:
Año: 1903
Técnica: Grupo escultórico realizado en mármol de Carrara, granito, piedra basáltica y piedra bituminosa.
Medidas: 23 mts. De alto x 11 mts. De circunferencia.
Ubicación: Av. Avenida Costanera Sur (Av. Tristán Achaval Rodríguez, entre Padre Mignone y Elvira R. De Dellepiane)
Lola Mora
(1866-1936)
Argentina.
(Fuente: Wikipedia)
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